Música electrónica
La música electrónica es interpretada por
medio de aparatos electrónicos, incluyendo en ente concepto la música creada
con cintas magnetofónicas; la música electrónica en vivo creada en tiempo real
con sintetizadores y otros equipos electrónicos; y la música concreta creada a partir de sonidos grabados y luego modificados.
Kraftwerk
1. Origen de la música electrónica
El compositor Ferruccio
Busoni
en su "Esbozo de
una estética musical" (1907) afirma que los instrumentos musicales
tradicionales han llegado al agotamiento y postula que es necesario incorporar nuevos
timbres, poniendo todas sus esperanzas en los instrumentos eléctricos que
entonces ya empezaban a aparecer. Busoni no se dedicó a llevar a la práctica
sus ideas pero el compositor Varése y el grupo Futurista las desarrollaron con mucho entusiasmo. Unos y otros integraron
el ruido como elemento de primera importancia en la música.
Luigi
Russolo,
fundador del Movimiento Futurista, creó una nueva música basada
en los ruidos, para lo cual construyó un órgano de ruidos que era un conjunto
de instrumentos mecánicos, los "Intonarumori", con nombres tan
sugerentes como ululatori, crepitatori o stropicciatori.
Luigi Russolo y sus instrumentos futuristas (Resonancias)
El
sintetizador más antiguo que se conoce es el Telharmonium (1900) del que existe una descripción en la revista Electrical World nº 58 de 1906 escrita por su
creador Thaddeus Cahill's. Más tarde, en 1920 el
Dr. Carl Emil inventa el audiómetro que funciona mediante tonos generados electrónicamente.
Leon Theremin (físico
ruso nacido como Lev Serguéievich Termen) crea en 1919 un instrumento musical llamado theremin (o théreminvox) conocido
en su versión primitiva como aetherophone. Es uno de los primeros
instrumentos musicales electrónicos, y el primer sintetizador de la historia.
El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en 1928 este instrumento electrónico que fue bautizado
con su nombre. El sintetizador Martenot es un instrumento formado por un teclado, un
altavoz y un generador de baja frecuencia. Las ondas Martenot es un instrumento monofónico, es decir, que no
produce notas simultáneas. Cuando se presiona una tecla sólo puede producirse
un único sonido. Sus versiones mejoradas se conocen como ondiline que se basa en un tipo de oscilador en diente de sierra y
divisores de frecuencia que permite una síntesis aditiva posterior; y el trautonium que es el precursor de los instrumentos controlados por tensión
(más tarde lo usará Moog), y podía dividir una octava en 1200 tonos diferentes.
El magnetófono de
bobina permitió grandes avances en la música electrónica. El disco fonográfico
resultaba difícil de manipular -como habían comprobado Ernest Tocy, Cage y
Varése- y producía resultados de baja calidad. Casi podríamos decir que
la música electrónica surgió en Francia allá por la década de 1940 cuando Pierre
Schaeffer, ingeniero de sonido, fundó el estudio de Radio Francia (RTF)
en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición
de cintas musicales. Grababa sonidos provenientes del mundo real en una cinta
que luego manipulaba cortando, pegando y empalmando los fragmentos, con lo que
conseguía montar un nuevo. Schaeffer bautizó este sonido como música concreta. Los técnicos de radio
necesitaban fondos sonoros de uso radiofónico que grababan en el exterior, lo
que creó un amplio archivo de sonidos con los que se podía trabajar. Estos
elementos sonoros pregrabados se denominaron "concretos" y fueron conservados,
al principio, en discos monosurco que permitían reproducciones continuas y
variaciones de velocidad, es decir de altura, en función de la velocidad del
disco. Posteriormente se utilizó el magnetófono. El 5 de octubre de 1948, los “5 estudios de ruidos” de Pierre Schaeffer son emitidos por la radio "Cadenas parisinas". Señalan el principio de la música concreta. La
"música concreta", nació en el denominado “Club d'Essai” de la Radio
Televisión Francesa en París (1948) y fué promovida por Pierre Schaeffer.
Su
primera fue el "Etude aux chemins de Fer" (1948) se basaba en ruidos de
trenes. Todas sus obras de esa época consistían en breves estudios sobre
sonidos, como la obra titulada Symphonie pour un homme
seul
(1950), compuesta en colaboración con su colega Pierre
Henry. El
impacto plástico de estas obras fue grande e influyó en coreógrafos, como Maurice
Bejart, que se inspiró en muchas de ellas. El estudio de Henry y Schaeffer
atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez. En 1966 Pierre Schaeffer fundó el Groupe de
Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la
investigación de la música electrónica.
Pierre Schaeffer en
su estudio de la RTF
En
1949 el físico alemán Werner Meyer-Eppler publicó una tesis
llamada 'Música
electrónica y lenguaje sintético' en la que proponía algo novedoso: componer música usando únicamente
sonidos producidos por señales eléctricas. Fue el primero en utilizar el
término “música electrónica”. El año 1939 Homer W. Dudley de los Laboratorios Bell creó el Vocoder, un dispositivo que
conseguía sintetizar la voz humana. La Feria Mundial de Nueva York de 1939
mostró una máquina llamada "The Voder", de los Laboratorios de Bell Telephone, que fue el primer
intento de sintetizar la voz humana. El Voder fue el primer
sintetizador de voz. Se inventó a partir de los circuitos del Vocoder y era un
auténtico sintetizador en el sentido actual, pero diseñado para reproducir la
palabra hablada.
Werner Meyer-Eppler
(1913-1960)
El primer director
del estudio de Colonia, Herbert Eimert, fue un defensor de la música dodecafónica, fue el iniciador de
la música electrónica y colaboró con Karlheinz Stockhausen. Ejerció una gran
influencia por su forma de utilizar el serialismo total como base para la construcción de obras electrónicas. De
sus obras destacan Klangstudie I (1952), Four Pieces (1952-53), Glockenspiel y Struktur 8 (1953), Selektion I (1959-60) y Epitaph Für Aikichi Kuboyama (1962). El uso del
término 'serie' en conexión con la música fue introducida en el francés por René Leibowitz en 1947, e inmediatamente después por Humphrey Searle en inglés, como una traducción alternativa del término alemán Zwölftontechnik (dodecafonismo) o Reihenmusik (música serial); fue
introducido independientemente por Herbert Eimert y Karlheinz Stockhausen al
alemán en 1954 como la serielle Musik, con un significado diferente, pero que se traduce también como
música serial.
Documentación:
2. La década de los 60.
La música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música
académica y en pocos años fue adoptada en la cultura popular. Pero primero hubo
que fabricar sintetizadores pequeños y económicos. Hacia el 1959 Harry Olson y su equipo de la RCA
fueron los constructores del primer intento de lo que hoy se conoce como
sintetizador. Era una máquina inmensa que se conserva en la Universidad de
Columbia. Conseguía generar sonidos cuya frecuencia, volumen, ataque, duración,
caída, timbre… etc. había que especificar escribiendo una partitura en papel
perforado. Después eran registrados en una cinta de magnetófono.
El
sintetizador de la RCA, conocido como Mark I, junto a sus creadores
Robert
Moog a instancias del compositor Herbert Deutsch,
fue el que diseñó los primeros VCO y VCA y más tarde fundaría su propia empresa
de sintetizadores, como hicieron también Buchla y Paul Kentoff. Esta
industrialización permitió que mucha más gente pudiera hacer música
electrónica, aunque al principio los sintetizadores eran todavía lentos de
manejar, permitían difícilmente la interpretación en tiempo real y eran
monofónicos.
En el Taller Radiofónico de la BBC, Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de
las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor Who (1963-1989). A fines de los años
cincuenta, el trombonista Paul Tannen y el inventor
aficionado Bob Whitsell habían producido el Electro-theremín, un instrumento que imitaba el timbre del theremín pero con un mecanismo de control más sencillo de usar. Tanner
tocó dicho instrumento en varias bandas de sonido para cine y televisión, y en
un LP llamado Music from Outer Space (Música del Espacio
Exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations del grupo The Beach Boys grabado en 1966; lo
dominaba el músico Jimmy Page y suena en
el opening de Los Simpson.
Tanner grabando Music for Heavenly Bodies en el primer (prototipo) Electro-Theremin.
El actor e inventor Bob Whitsell, al
final de la década de los 50. http://www.electrotheremin.com/PTE-TPage.html
La
compositora y clavecinista estadounidense Wendy Carlos (en esa época llamada
Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien
temperado (1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y
las reproducía con el recién inventado sintetizador
Moog. Con el moog era
posible crear un número casi infinito de sonidos. Estos sonidos podían imitar
los sonidos de los instrumentos convencionales o generar sonidos completamente
nuevos. El Sintetizador Moog no podía
producir acordes, por lo que para producir obras polifónicas tal como las que
grabó Carlos, se requirieron varias horas de grabación en estudio. Algunos de
estos trabajos musicales se pueden apreciar en el filme de Stanley kubrick A Clockwork Orange (La naranja mecánica).
Sintetizador modular
Moog de Wendy Carlos
Los Beatles, Stevie Wonder o el grupo The Who utilizaron el sintetizador Moog, que también fue utilizado por Yes, Manfred Mann o Emerson, Lake & Palmer.
3. Influencia en el Rock
Los primeros
sintetizadores eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun
así, algunos teclistas, como Keith Emerson, integrante del grupo Emerson, Lake and Palmer los utilizaban en sus recitales.
Imágenes:
el artista rock Emerson, delante de sus Moog “portátiles”, en los primeros 70. (ATI-
GABIROL. Aula de Técnicas Informáticas.
IIBM Gabirol)
Los músicos de rock también utilizaron el melotrón, por ejemplo, en la
producción del álbum Strawberry Fields Forever de The Beatles. El pedal de tono de
volumen fue usado de manera artística como instrumento de base en Yes It Is. Aunque los Beatles
fueron los pioneros, otros grupos consiguieron mejores resultados como Led Zeppelin en Kashmir o The Rain Song, o Pink Floyd en Atom heart mother. Se trataba de un
teclado capaz de reproducir en tres canales cintas pregrabadas accionadas con
ambas manos: con la izquierda se podían seleccionar 18 ritmos diferentes y con
la derecha otros tantos instrumentos.
“Mellotron”
En los 70s fue
utilizado por las bandas de rock progresivo como King Crimson y Yes, y también por John Paul Jones. En la actualidad, de vez en cuando lo utilizan bandas como Tori Amos, Red Hot Chili Peppers, Incubus, Radiohead, Fiona Apple, Oasis y The Smashing Pumpkins. También lo utilizan grupos "revival" del rock
progresivo de los años '90 como el trío de grupos suecos Anekdoten, Anglagard y The Flower Kings. Finalmente mencionaremos como motor de reactivación de este
instrumento grupos como Opeth y Porcupine Tree. Visitar la página:
Robert Moog no fue el único inventor de sintetizadores. A principios de los
años sesenta los músicos americanos Morton Subotnick, Ramon Sender, Terry Riley
y Pauline Oliveros crearon el "San Francisco Tape Music Center”, una
agrupación orientada a la creación musical mediante el tratamiento y
manipulación de cintas. A mediados de los años sesenta el ingeniero Donald
Buchla colaborará con este grupo de músicos, y en especial con Morton
Subotnick, para la creación de un sintetizador modular analógico, el Buchla 100.
Donald
Buchla
desarrolló unos sintetizadores que, contrariamente al sintetizador Moog,
carecían de teclado.
Sintetizador Minimoog voyager
Ejemplos de los primeros grupos que
adoptaron sintetizadores fueron The United States of
America,
The Silver Apples y Pink Floyd. Aunque no toda la música de estos grupos era electrónica (con
la excepción de los Silver Apples),
buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. El uso de los
medios electrónicos se volvió tan frecuente que a mediados de los setenta, el
grupo británico de rock Queen ponía un aviso en sus
álbumes, que decía ¡Sin sintetizadores! Por el contrario, en la corriente de rock
experimental del llamado kraut rock alemán, pero también en el art rock inglés, los elementos electrónicos tenían gran importancia.
Sintetizador
Moog y su inventor Robert Moog (Nueva York, 1934-2005)
4. Los años setenta
Kraftwerk
A mediados de los ’90 el krautrocksampler (1995) de Julian Cope despertó el interés por
la música kraut alemana. Julian Cope
es un músico galés, autor, anticuario, musicólogo y poeta, que alcanzó
relevancia en 1978 como cantante y letrista en la banda post-punk de Liverpool,
de nombre The Teardrop Explodes. También escribió
libros relacionados con la historia del rock, tales como el mencionado arriba
(sobre el género musical Krautrock desarrollado en Alemania) y Japrocksampler (historia del rock en
Japón). Escribió sobre las bandas alemanas Can, Faust, Tangerine Dream, Ash Ra
Temple… que habían firmado con el sello británico Virgen ya cuando el
movimiento germano experimentaba las primeras señales de agotamiento. El rock
alemán de la época contaba con grupos como Kraftwerk, Neu!, Cluster, Harmonia,
Popol Vuh, Amon Düül I y II, Guru Guru, Witthüser und Westrupp, Klaus Schulze y
la saga de los Cosmic Jokers. También sobresalieron Agitation Free, Xhol
Caravan, Embryo, Sand, German Oak, Hairy Chapter, A.R. & Machines.
El crítico de música Ian MacDonald, el autor del célebre libro sobre los Beatles Revolution in the Head, escribió en diciembre
de 1972 en el New Musical Express un
artículo titulado “Germany Calling”, sobre los grupos Xhol, Embryo, Annexus Quam y varios otros.
Incluso antes, en abril del mismo año, el periodista Michael Watts publicaba su “Deutsch Rock” en una página completa del Melody
Maker. En enero del 1973 Jean Pierre Lentin escribió en Actuel, la biblia de la contracultura
francesa, un extenso texto titulado “Le rock allemand enfin!”. Y la revista italiana Ciao 2001 escribía en 1973: “Pop tedesco- Cosmische (sic) Musik: Musica
cosmica, spazi vergini e informali con Tangerine Dream; meditazione elettronica
con atmosfere romantico-orientali nei Popol Vuh, Ash Ra Tempel; Preistoria e
futurismo con I Kraftwerk; campus music, note politiche in Embryo e Floh de
Cologne.”
Con estos artículos el rock alemán salía
de su etapa underground y sus grupos
daban conciertos internacionales, fenómeno en el que destacaría la gira de Kraftwerk por Estados Unidos en 1975 y la publicación de su LP Autobahn que alcanzó la cima de los
rankings. La difusión del krautrock coincidió con la etapa de su agotamiento
creativo y con el deterioro de la situación política en la República Federal,
que alcanzaría un clímax negativo en el otoño de 1977 con el asesinato del
presidente del Dresden Bank Jürgen Ponto por miembros de la Fracción del
Ejército Rojo durante los eventos conocidos como el Otoño Alemán, el secuestro
por parte del Frente Popular para la Liberación de Palestina de un avión de
Lufthansa, el secuestro y posterior ejecución del jefe de la Federación de
Industrias Alemanas Hans Martin Schleyer y el suicidio de los principales
miembros de la RAF -Andreas Baader, Gudrun Ensslin y Jan Carl Raspe- en la
prisión de Stannheim. Para ese entonces el krautrock sería apenas un recuerdo. El
tiempo del rock alemán progresivo coincidió con ese momento histórico y nada
significa si lo aislamos de esas traumáticas experiencias que ilustran tanto
sobre sus primeros impulsos como sobre los motivos de su paulatino
debilitamiento. La música rock alemana surgió paralela a los movimientos de
protesta de los años 60 y 70.
Keith Moliné, Krautrock: Cosmic Rock and Its Legacy,
editado por Black Dog Publishing en Londres.
La popularidad llegó con
los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música
electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue
denominado Electro y tuvo características
bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar la
alienación del mundo tecnológico moderno, como habían hecho las películas Metrópolis de Fritz Lang y Tiempos Modernos de Charles Chaplin. Hasta el día de hoy su música permaneció
absolutamente electrónica. Al Krautrock
se le considera un subgénero del rock progresivo con
una especial inclinación al uso de elementos electrónicos.
Metrópolis y Tiempos Modernos
Dice Scannerfm.com: “No es un estilo musical, mas bien se trata
de un movimiento o corriente musical de rock experimental que engloba a una
gran cantidad de artistas alemanes que habían sido influidos por géneros como
el rock psicodélico, el rock progresivo, la música avant-garde, el rhythm and blues y el jazz y que empezaron a sacar discos
a finales de los 60 y durante toda la década de los 70. Originalmente el
termino “krautrock” era una descripción despectiva que acuñaron los
anglosajones para referirse a este tipo de grupos “progresivos” alemanes (kraut
viene de “Sauerkraut” o col fermentada, lo que los ibéricos conocemos como
“chukrut”, acompañamiento ideal de las clásicas bratwursts o del codillo al
horno; por lo que el krautrock se refería mas bien al “rock hortelano”, de la
huerta, o sea, rock palurdo o garrulo”. La denominación kraut era despectiva, pero los músicos
alemanes se la apropiaron de manera irónica. Era el modo en que los anglosajones
se referían a sus enemigos germanos durante la guerra.
En Alemania, bandas
tales como Tangerine Dream, Can, Neu! incorporaron los
sonidos electrónicos a sus temas. Los componentes de Tangerine Dream fueron gente muy
capacitada: Edgar Froese (alumno de Dalí y fundador de TD), Klaus Schulze (Ash Ra Tempel, The Cosmic Jokers)
y Conrad Schnitzler (Eruption, Kluster). Estos fueron los que acuñaron
el término de “Kosmische Musik” que
motivó que se hablara de “kosmiche
kuriere” o emisarios cósmicos para referirse a estos grupos. Tangerine
Dream utilizó los sintetizadores para crear atmósferas espaciales llenas de
referencias mitológicas y de filosofía oriental, destacando en su discografía
los álbumes “Phaedra” (1974), “Electronic Meditation” (1970) y “Zeit” (1972).
La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en
Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música house, el estilo más minimalista y electrónico de la música disco de
los años setenta. Actualmente grupos como Portishead o Fujiya & Miyagi producen sonidos próximos a estas bandas alemanas. Algunas bandas
del indie rock, post punk y música alternativa de los últimos 20 años como Sonic
Youth, The Fall o Stereolab siempre se han
declarado deudoras de este particular sonido.
Otro importante músico
que utilizó los ordenadores es el francés Jean-Michel Jarre, formado musicalmente
en el Groupe de Recherches Musicales
(Grupo de Investigación Musical), liderado por Pierre
Schaeffer,
quien se convertiría en su maestro. Hijo de Maurice
Jarre,
autor de importantes bandas sonoras cinematográficas, como las de Lawrence de Arabia (1962) o Doctor Zhivago (1965)), en la década
de 1970 publicó Oxygene, el álbum que lo hizo globalmente famoso.
A fines de los años setenta y comienzos de los ochenta, los
sintetizadores analógicos dieron paso a los digitales y a los samplers o muestreadotes.
Los primeros samplers eran excesivamente costosos. Empresas como Fairlight y New England Digital vendían instrumentos que costaban más de
100.000 dólares. A mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo
de samplers económicos.
Desde fines de los años setenta, grupos
como Gary Numan, Heaven 17, Eurythmics, Severed Heads, The Human League, Yazoo, The Art of Noise, Orchestral Manoeuvres in
the Dark,
Depeche
Mode
y New
Order
desarrollaron maneras completamente nuevas de hacer música popular con medios
electrónicos. En la música New Wave, el grupo Fad Gadget se cita como el pionero del uso de los elementos electrónicos.
5. Años ochenta
Pionero de la música electrónica junto a Kraftwerk y Tangerine Dream, el griego Vangelis acrecentó el interés
del público general a comienzos de la década (ya espoleado por el Oxygene de Jarre) con su exitosa banda sonora para Carros de Fuego, que abrió nuevas posibilidades sonoras para la música de cine.
Su influencia se hizo aún más palpable al componer la banda sonora de la
película Blade Runner, cuyo tema principal es
considerado por algunos en la vanguardia del movimiento techno.
La mezcla del electro
funk (estilo emparentado con el funk, pero con una presencia dominante de los instrumentos
electrónicos) con diferentes estilos de música electrónica europea, generaron a
principios de los ochenta la música techno en Detroit y Míchigan, y el house en Chicago y Illinois. La gran popularidad de la
música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando en Europa surgieron
temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde otros
estilos como la EBM y el electro pop por formaciones como Depeche Mode y Pet Shop Boys, quienes generaron nuevas ramas dentro de la música
electrónica, como el trance y el dance europeo
Músicos como Brian Eno, Klaus Schulze, Ray Buttigieg y los japoneses Kitaro e Isao Tomita también popularizaron el sonido electrónico. La industria del cine también utilizó largamente la música electrónica en películas. La banda de sonido de Forbidden Planet (Planeta prohibido), de Louis y Bebe Barron, había usado sonido electrónico (aunque no sintetizadores) en 1956. Una vez que los sonidos electrónicos se volvieron más comunes en las grabaciones populares, otras películas de ciencia ficción, compo la serie de cintas Alien empezaron a depender fuertemente en el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el ambiente y la modalidad terroríficas que exigían estas producciones.
La composición
electrónica puede crear ritmos más rápidos y más precisos que lo que se puede
hacer utilizando percusión tradicional. La música dance a veces presenta
sonidos de instrumentos tradicionales y voces (samples o ‘muestras’) alterados electrónicamente. La caída de los
precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya
adoptado cada vez más. Artistas como Madonna, Björk y Moby han popularizado
variantes de esta forma de música.
6. Música industrial
La habilidad natural de
las máquinas para hacer ruidos estocásticos, inarmónicos, de estática, llevó a
un género de música conocido como música industrial, en la que destacan
grupos como Throbbing Gristle (que comenzó a trabajar en 1975), Wavestar y Cabaret Voltaire. Algunos artistas, como Nine Inch
Nails, KMFDM y Severed Heads, tomaron algunas de las
aventuradas innovaciones de la música concreta y las aplicaron a la
música dance mecánica y a las guitarras de metal. Otros, como Test Department y Einstürzende Neubauten, tomaron este nuevo
sonido para crear composiciones electrónicas. Mientras tanto, otros grupos como
Robert Rich, Zoviet*france: y Rapoon tomaron estos timbres y
los fundieron en paisajes sonoros más evocativos. Y aun otros grupos como Front 242 y Nitzer Ebb combinaron esa música
con sonidos más bailables y pop, formando la música
corporal electrónica (EBM o Electronic Body Music).
Aliados con el interés creciente en la música
electrónica e industrial, se encuentran artistas que trabajaron en el ámbito de
la música dub. El dub es un género musical que surgió a partir de la música reggae en los años 1960, y está
generalmente considerado como un subgénero del reggae, aunque su desarrollo
supera ampliamente el espectro de éste. Musicalmente, el dub consiste
fundamentalmente en la versión o remezcla instrumental de grabaciones
previamente existentes. Notable en esta área es el productor Adrian Sherwood, cuya discográfica On-U
Sound en los años ochenta fue responsable de integrar la estética
industrial y del ruido con la producción de cinta y dub, con artistas tales
como el industrial-funk Tackhead, el vocalista Mark Stewart y otros. Esto allanó el camino para el interés en los años
noventa por el dub, primero a través de bandas tales como Meat Beat Manifesto y luego para los productores de downtempo y trip hop como Kruder & Dorfmeister.
7. Jazz electrónico
En el jazz electrónico se combinan los
instrumentos acústicos amplificados y los sintetizadores, surgiendo grabaciones
del grupo Weather Report. El pianista de jazz Herbie Hancock con la banda The Headhunters en los años setenta
también introdujo a los oyentes de jazz en una amplia gama de sonidos
electrónicos, que más adelante exploró con más énfasis en su disco Future Shock, una colaboración con
el productor de música Bill Laswell en los ochenta, que engendró el éxito pop Rockit en 1983.
8. Años noventa
En los años noventa, la música electrónica
conquistó prácticamente todo el mundo. Desde varios países, fueron incorporados
elementos nuevos, como es el caso del jungle inglés que se basa en ritmos
complejos derivados de la música caribeña o el trance que nació al comienzo de esta década en los clubes de Frankfurt
del Main (Alemania) y también el dub.
A finales de los años noventa, fueron
naciendo nuevos géneros como el Tribal derivado de sonidos tribales y percusiones. También se
popularizaron más géneros como los denominados IDM, progressive o deep house.
En la actualidad, la música electrónica
está consolidada en todo el mundo, teniendo millones de seguidores que
disfrutan con los sonidos creados por artistas que utilizan máquinas y computadores.
Tutorial de música
electrónica, con ejemplos de sonido:
Comentaris